OPMERKING VAN DE REDACTIE: Een versie van deze functie verscheen in de Big Style-nieuwsbrief – een wekelijkse portal naar een wereld waar kleding en cultuur elkaar ontmoeten. Meld u hier aan.
Parijs
Mijn officiële taak in Parijs deze week was het bijwonen van de haute couture-shows, maar gedurende mijn tijd in de Franse hoofdstad bleef ik kunst tegenkomen. Dit is niet verwonderlijk in een stad waar je niet verder dan een paar meter kunt lopen voordat je een galerie of museum binnen wordt gezogen, maar kunst was ook in veel van de collecties verweven. Mode en de kunstwereld zijn al lang bedgenoten, en vooral haute couture staat zo dicht bij kunst als mode maar kan, maar er is nog iets anders aan de hand. Mijn mening: in een uitdagende economie probeert de luxewereld contact te maken met haar klanten, en zijn kunst en cultuur beproefde gespreksaanzetten.
Zelfs bij Chanel – een merk dat, onder de creatieve leiding van Matthieu Blazy, absoluut geen problemen heeft met het verkopen van dingen – stond een live artiest met de naam Joël Blanc op de eerste rij om te schilderen de show. Blazy’s collectie concentreerde zich op het idee van sprookjes: de grote kronkelende wijnstokken in het Grand Palais, die doen denken aan ‘Jack and the Beanstalk’, vormden het decor voor grillige verhalen door middel van perfect gemaakte kleding, met magische bonen (en af en toe een gouden ei!) overal verspreid. Zie: verrukkelijk schoenen, een kleine rij van lelijke eendjes tot zwanenknopen, en een zwarte wraakjurk met vleugels die langs de bruidsjurk achtervolgden.
Jonathan Anderson is een bekende liefhebber, verzamelaar en curator van kunst, en binnen Dior sluit hij zich aan bij een lange lijn van ontwerpers die een soortgelijke partijdigheid hadden. Christian Dior was zelf galeriehouder voordat hij couturier werd en veel van de creatief directeuren van het huis zijn geïnspireerd door de kunstenaars van hun tijd. Voor Anderson tweedejaars couturecollectiegepresenteerd in het Musée Rodin, wendde hij zich tot het werk van een modernere beeldhouwer: Lynda Benglis. De 84-jarige Amerikaanse maakt weerbarstige mixed media-sculpturen die het traditionele kunstestablishment hebben uitgedaagd (conventionalisten vonden haar gebruik van latex en glitter het meest verontrustend). Benglis heeft over de hele wereld gewerkt, maar het was haar connectie met Santa Fe, New Mexico en Ahmedabad, in Gujarat, India, waar Anderson het meest door in vervoering raakte, en de kleuren en texturen van deze twee zeer verschillende landschappen komen door de hele collectie heen.
Terwijl ik op het terrein van het Musée Rodin zat, kon ik niet anders dan denken dat het een prachtige trouwlocatie zou zijn geweest voor een bepaalde zeer beroemde popster en haar sportieve vriend die er op onverklaarbare wijze voor kozen om hun liefde te vieren in een smerig stadion in de binnenstad. Stel je in plaats daarvan eens voor: geloften voor Rodins ‘The Kiss’, cocktails in het prachtige 18e-eeuwse voormalige Hôtel Biron. Maar helaas had Anderson alleen de leiding over de jurk.
Terwijl er geen letterlijke kunstreferenties waren bij Balenciaga, bij Pierpaolo Piccioli eerste couturecollectie want het huis was zo kunstig. De Italiaan is niet alleen een meester in het vak zelf, maar ook een emotionele ontwerper. Veel van wat hij doet gaat over het opwekken van een gevoel, zoals vreugde, of iets dat lijkt op dat kleine stiksel dat je kunt ervaren bij een liedje, een film of een kunstwerk. “Couture gaat niet alleen over de jurk”, vertelde hij backstage aan een kleine groep pers. “Het gaat om de mentaliteit.”
Buiten de shows ging ik naar de Azzedine Alaïa Foundation, een bedevaartsoord voor veel modeliefhebbers, en met goede reden: het is een emporium van archiefmode, boeken en kunst. Het toont ook de studio van Alaïa, nu begraven achter een rond glazen raam, volledig onaangeroerd sinds zijn dood, in veel opzichten dankzij Carla Sozzani, een soort modefee, en de vriend die Alaïa achterliet met de leiding over zijn nalatenschap en archief. Aan het einde van mijn bezoek vroeg ik Sozzani om Alaïa’s nalatenschap te beschrijven en zij antwoordde snel: ‘integriteit’, iets waar in de modewereld hard voor wordt gevochten.
Wat betreft integriteit: het debuut van Michael Stewart in Paris Couture zorgde voor een beetje opwinding in de modewereld. Het label Standing Ground van de Ierse ontwerper wint aan kracht, dankzij een groeiend aantal particuliere klanten die via mond-tot-mondreclame naar hem toe komen voor zijn moderne kijk op avondkleding. Stewart lijkt tot nu toe op het ritme van zijn eigen drum te dansen, nieuwe ideeën voor te stellen en zich zachtjes te verzetten tegen enkele conventies van het modesysteem. Zijn collectie herinnerde ons eraan dat mode aanvoelt als kunst als je ontwerpers technieken ziet ontwikkelen en perfectioneren die een messcherp standpunt ondersteunen – boven de afschuwelijke chaos van de industrie uitstijgend. Toen hij backstage met een kleine groep van ons sprak, zei hij: “We moeten als ontwerpers geen druk voelen om alles op te geven en elk seizoen met iets nieuws te komen.” Hij sprak ook over een “vreemd” idee van schoonheid, niet schoonheid omwille van de schoonheid, maar iets met een beetje… iets. In de show zagen griezelig uitziende modellen met griezelige blikken (dankzij contactlenzen) in kinky kralenrokken en onmogelijk nauwsluitende tailles eruit alsof ze vampiers zouden kunnen worden en zich tegen hun rijke maar domme echtgenoten zouden keren. Zo goed!
Rahul Mishra, die de eerste Indiase ontwerper werd die in 2020 op de couturekalender van Parijs te zien was, citeerde in zijn shownotities een beroemde zin van Michelangelo uit de geschiedenis: ‘Ik zag de engel in het marmer en sneed totdat ik hem bevrijdde’, voordat hij ons eraan herinnerde dat dezelfde filosofie eeuwen eerder te zien is op het Indiase subcontinent, waar oude ambachtslieden steen transformeerden in eeuwige muzen, goddelijke minnaars en goden – en tempels vulden met beeldhouwwerk (dat de Europeanen later hun best zouden doen om te plunderen). Mishra’s collectie zag er eeuwenoud en talismanachtig uit, de kleding vaak torent hoog boven de schouders van de modellen uit. “De normen van couture zijn streng, maar het Indiase vakmanschap voldoet al eeuwenlang aan deze normen en overtreft deze in veel gevallen zelfs”, vertelde Isha Ambani, die op de eerste rij zat, mij achteraf.
Ik vroeg Ambani naar Manish Malhotra, die dit seizoen zijn debuut op de planning maakte (haar bedrijf heeft belangen in beide merken en hij was vorig jaar de creative director van de superwedding van haar broer). De ontwerper put uit een andere kunstvorm: cinema (hij begon zijn creatieve carrière in kostuumontwerp voor Bollywood-blockbusters). “Manish heeft een bepalende rol gespeeld bij het vormgeven van de hedendaagse Indiase glamour,” zei Ambani. terwijl hij wijst op de ‘filmische gevoeligheid’ die hij naar de mode brengt. De kunst in Malhotra’s werk komt tot uiting in het vakmanschap, maar ook in zijn vermogen om een verhaal te vertellen. De avond voor de show vertelde hij me dat hij minder geïnteresseerd was in het presenteren van de Indiase kijk op couture, maar dat hij het liever wilde vertellen zijn verhaal, dat begint bij zijn moeder. “Op dit wereldwijde platform ga ik natuurlijk mijn werk voorstellen, maar ik wilde ook mezelf voorstellen”, zei hij. De bundel, met de lieve titel ‘Maa’, wordt verteld in vier hoofdstukken en is een ode aan de vrouw die hem het leven schonk. De eerste look omvat een rij 3D-geprinte bustes van moeder en kind door de tijd heen.
De Opera Gallery, een ruimte die ooit Versace’s vlaggenschipboetiek in Parijs was, organiseert momenteel een show van de modegeobsedeerde Braziliaanse schilder Gustavo Nazareno. Telefonisch vanuit Sao Paolo vertelde Nazareno me dat hij als kind naar de bibliotheek zou vluchten om over renaissancekunst te lezen. Later ontdekte hij Irving Penn “en dat veranderde mijn leven.” “Ik keek dagenlang naar foto’s. Ik trainde met mijn ogen”, zei hij. Dat onafhankelijke onderzoek heeft zijn vruchten afgeworpen: zijn foto’s van Afro-Braziliaanse godheden, op een duidelijk couture-achtige manier in stoffen gedrapeerd, die zich voordoen als modellen uit Vogue Italia uit de jaren tachtig, zijn zo rijk en verleidelijk (zo verleidelijk zelfs dat de meeste schilderijen in de tentoonstelling al zijn verkocht).
