Elsa Schiaparelli: Een blockbuster-tentoonstelling onderzoekt hoe de surrealistische ontwerper mode opnieuw definieerde

Mode danst al lang naast het medium kunst, waarbij ontwerpers zich laten inspireren door het werk van de grootste kunstenaars uit de geschiedenis. Met zijn technische bekwaamheid en avant-gardistische ambities zouden velen beweren dat mode op hetzelfde vlak thuishoort als schilderkunst of beeldhouwkunst.

Een monumentale nieuwe tentoonstelling in het Londense Victoria and Albert Museum (V&A) viert de verbinding tussen de twee disciplines op een urgentere manier. “Schiaparelli: Fashion Becomes Art” – dat zaterdag 28 maart opent – ​​presenteert het baanbrekende werk van de overleden Italiaanse ontwerper Elsa Schiaparelli als belichaming van de culturele ernst van kunst. Kan het dragen van een gedurfde of zelfs uitdagende jurk de manier veranderen waarop we de status quo, schoonheidsnormen of het doel van kleding zelf zien?

Dat kan – en Schiaparelli zelf heeft ons gedurende een handvol decennia aan het begin van de twintigste eeuw precies laten zien hoe. Bijna 100 jaar later heeft haar voorganger, de huidige creatief directeur van Schiaparelli, Daniel Roseberry, haar mantel overgenomen door opwindend design te combineren met de machinerie van beroemdheden om onze opvattingen over vrouwelijke schoonheid en macht te veranderen. De tentoonstelling koppelt hun werk aan elkaar en toont de waarde van een schokkende stijl in een moment van conservatisme.

“Elsa Schiaparelli was iemand die zich omringde met kunstenaars”, zoals Man Ray, Jean Cocteau en Salvador Dali, zegt Sonnet Stanfill, senior curator mode van het V&A. “Het was niet alleen Schiaparelli die zich surrealistische beelden toe-eigende en deze op haar kleding plakte. Ze was iemand die betrokken was bij het creatieve proces, en er was een echte gezamenlijke, creatieve uitwisseling met deze kunstenaars en creatieven.”

Afkomstig uit een intellectuele en aristocratische familie in Rome, en zonder formele modeopleiding, kon Schiaparelli’s kleding uitdagend zijn of, om een ​​van haar favoriete woorden te gebruiken: schokkend. Terwijl collega’s als Coco Chanel of Christian Dior kleding maakten die radicaal eenvoudig of uitbundig mooi was, omarmde Schiaparelli wat verrassend, smakeloos of zelfs weerzinwekkend was (een paar apenbontlaarzen uit 1938 bijvoorbeeld). Schiaparelli creëerde kleding als een stand-upcomedian of een filosoof met een gevoel voor weelde: wat als een schoen een hoed was? Wat als een jasje met een circusthema knopen had die als paarden waren gebeeldhouwd?

Dat gaf de kleding van Schiaparelli een gevoel van relevantie in de culturele onrust in Europa van vóór de Tweede Wereldoorlog en in het esthetisch traditionalistische Parijs – een methodologie die Roseberry heeft opgepikt. In de laatste zaal van de tentoonstelling laten zijn grensverleggende ontwerpen – een couturemodel dat een robotbaby vasthoudt, of een crisisrode jurk waarvan het lijfje griezelig vol zit met kralen – zien hoe het idee van een onverwacht ensemble kan provoceren en verrassen, waardoor mode en popcultuur vooruitgaan, waar de meeste kleding alleen maar bedoeld is om te behagen.